Letztes Jahr erfuhren wir bereits Geheimnisse und Wissenswertes über Hyeronimus Boschs Meisterwerk, den Garten der Schönheiten, aber natürlich ist es keineswegs einzigartig, dass die alten Meister versteckte Interpretationen oder Details gem alt haben, die für den Betrachter klar verständlich waren damals, aber jetzt scheinen mysteriös. In ihrem neuen Buch Art in Detail: 100 Masterpieces hat die britische Kunsthistorikerin Susie Hodge genau solche Besonderheiten in Meisterwerken wie Edvard Munchs Der Schrei, Frans Hals' Der lachende Ritter oder Velázquez' Hofdamen gesammelt und erklärt.
„Wirklich große Gemälde lassen sich nicht auf einen Blick erfassen. „Kunstliebhaber wollen diese Bilder immer wieder sehen und neu interpretieren, kehren oft ein Leben lang zu ihnen zurück, um immer wieder neue Tiefen in ihnen zu entdecken und vielleicht ihre bisherigen Meinungen neu zu bewerten“, sagt der Autor, der das sogar sagt Die Betrachtung eines Gemäldes als Ganzes ist eine korrekte Art, Kunst zu interpretieren, aber ein tieferes Verständnis von ihnen ist oft nur durch detaillierte Analyse möglich. Nach dem F alten zeigen wir einige Beispiele der Themen, die Sie in den 100 Gemälden finden können – darunter Werke von Pollock, Courbet, Monet, Mondrian, El Greco, van Eyck – und aus dem Buch mit 700 Farbillustrationen, das Sie kaufen können Wenn Sie hier klicken, können Sie es für $35 (etwas mehr als 10.000 HUF) bestellen.
Edvard Munch: Der Schrei
Eines der denkwürdigsten und nachh altigsten Werke der modernen Kunstgeschichte wurde 1893 vom norwegischen expressionistischen Maler Edvard Munch gem alt. Laut wikipédia.org entstand das Werk als Teil einer Serie von Gemälden, Der Schrei der Natur, die Munch zwischen 1893 und 1910 m alte und die jeweils eine verzerrte Skelettfigur mit offenem Mund darstellen die Angst vor dem Tod mit einem orangefarbenen Himmel im Hintergrund. Der Hintergrund auf dem Bild ist übrigens der Oslofjord.
Glücklicherweise hat Munch ein Tagebuch geführt, sodass wir auch erfahren können, was ihn zu dem Bild inspiriert hat: „Eines Abends ging ich auf dem Fußweg spazieren, als auf der einen Seite die Stadt und unten der Fjord lag. Ich fühlte mich müde und krank. Ich blieb stehen und blickte über den Fjord, die Sonne ging gerade unter, als der Himmel blutrot wurde. Ich spürte einen Schrei aus der Landschaft drängen und es schien mir, als könnte ich den Schrei hören. Ich habe das Bild und die blutroten Wolken gem alt. Die Farben schrien fast. So entstand The Scream“, schrieb der Autor über seine Erfahrungen.
Für den Betrachter von außen taucht zuerst die verängstigte Gest alt mit dem sagenumwobenen Gesicht, die Nähe des schwarzen Fjords und der apokalyptische Himmel auf, aber die schattenhaften Gest alten im Hintergrund sind weniger erkennbar. Obwohl sie bedrohlich aussehen, zeigt das Bild in Wirklichkeit zwei von Munchs Freunden, die mit ihm auf der Brücke waren, aber der Anblick war ihnen egal. „Ich ging mit zwei Freunden die Straße entlang – die Sonne ging unter – der Himmel färbte sich plötzlich blutrot – ich blieb stehen, fühlte mich erschöpft und lehnte mich gegen das Geländer – das blutig war und Flammen über die blauschwarzen Fjorde und die Stadt schossen - meine Freunde gingen dort spazieren und ich stand mit zitternder Angst da - und ich fühlte, dass der scheinbar endlose Schrei nur ein momentanes Gefühl war" - berichtete der Maler über das Erlebnis.
Frans Hals: Der lachende Ritter
Eine der größten Persönlichkeiten der europäischen Porträtmalerei während des niederländischen Goldenen Zeit alters m alte seine Bilder mit außergewöhnlicher Detailtreue. Dies gilt insbesondere für die Malerei dieses Mannes mit einem schiefen und geheimnisvollen Lächeln. Der Protagonist ist den Kunsthistorikern noch unbekannt, der lateinische Text in der oberen rechten Ecke des Bildes verrät nur, dass es 1624 entstanden ist und der Mann auf dem Bild damals 26 Jahre alt war.
Das Gemälde hatte ursprünglich keinen Titel, es hieß einfach Portrait d'un homme (Porträt eines Mannes), dann ging es 1791 nach Frankreich, wo es als Der Kavalier bekannt war. Nicht lange danach wurde das Bild auch in London ausgestellt, wo es großartige Kritiken erhielt, weshalb wir es seit 1888 als The Laughing Knight bezeichnen können. Obwohl wir nichts über Hals' schelmischen Ritter wissen, lässt das goldgriffige Schwert in seiner linken Hand vermuten, dass auf dem Bild ein erfahrener Schwertkämpfer zu sehen ist, woraus folgt, dass der Maler vermutlich einen Adligen verewigt hat.
Hans Holbein der Jüngere: Anhänger
Holbein war ein Mitglied der zweiten Generation deutscher Renaissance-Meister, der letzte große Maler der Reformation. Die Gegenstände, Gebrauchsgegenstände oder Wohnaccessoires, die in seinen Porträts auffallen, zeugen von der reichen materiellen Kultur seiner Zeit. Das 1533 gem alte Werk mit dem Titel Verfolger ist ein Dauerthema unter Kunsthistorikern, die viel über die symbolische Bedeutung der am Tisch lehnenden Männer oder der gebrochenen Saite der Laute nachdenken, die ebenfalls ein Symbol für Disharmonie ist. Unter den auf dem Tisch platzierten Gegenständen ist deutlich die Übersetzung des Liederbuchs von Márton Luther zu unterscheiden, mit der der Künstler vielleicht den damals typischen religiösen Streit reflektieren wollte. Aber auch die Globen wurden erstaunlich detailliert bem alt, auf denen auch die Namen der Länder und der Meere angegeben sind.
Betrachter ignorieren oft den gestreckten Schädel in der Mitte des unteren Bildteils, weshalb Holbeins Die Verfolger als das berühmteste Anamorphose-Gemälde gilt. Und auch die längliche, amorphe Form muss bedeutsam sein, weil sie dort bedeutungslos erscheint und doch das untere Bildviertel dominiert. Das überraschende Detail wird verständlich, wenn man es nicht aus dem üblichen Blickwinkel betrachtet, sondern von der Seite des Bildes, ganz nah herantretend und sich bückend, von unten und aus steilem Winkel, denn dann tritt das Bild eines menschlichen Schädels hervor es. Was auch eine symbolische Bedeutung hat, denn die Darstellung des Schädels in solchen Bildern betont das „memento mori“, also die Vergänglichkeit des Lebens“, schreibt cnn.com über den Vorläufer der 3D-Zeichnungen.
Kunsthistoriker wissen immer noch nicht, warum Holbein den Schädel in dieser Form dort hingelegt hat, einigen Analysten zufolge lag es nur daran, dass sein Gemälde ursprünglich neben einer Treppe gewesen sein soll, wo diejenigen, die nach oben gehen, hätten sein können den Schädel aus genau der richtigen Perspektive gesehen. Andere denken einfach, Holbein wollte auf diese Weise sein Talent zeigen und hoffte, mit der kniffligen Arbeit mehr Geld zu verdienen.
Jan van Eyck: Das Ehepaar Arnolfini
Der flämische Maler ist eine der herausragendsten Figuren der frühen niederländischen Malerei. Selbst seine umstrittensten Werke, insbesondere das komplizierte Porträt dieses wohlhabenden Kaufmanns Giovanni di Nicolao Arnolfini und seiner Frau, inspirierten viele spätere Maler. Dieses 1434 entstandene Ölgemälde war, wie die vorangegangenen Werke, unter mehreren Titeln bekannt, es hieß Arnolfinis Hochzeit, Arnolfinis Doppelporträt und Giovanni Arnolfini und seine Frau für eine Weile.
Das Gemälde eines italienischen Kaufmanns und seiner Frau, die in ihrem Haus in Brügge posieren, gilt als eines der vollständigsten und originellsten Werke der westlichen Malerei. Es wird von vielen für seine bemerkenswerte Darstellung, seine detaillierte Arbeit und die perfekte Nutzung des Lichts gefeiert, das den Innenraum erfüllt, aber im Gegensatz zu seinen Vorgängern und Zeitgenossen signierte und datierte Van Eyck sein Gemälde, zum Beispiel gravierte er diese kleine freche Botschaft über das Realistische Spiegel: "Johannes de Eyck fuit hic 1434", also "Johannes van Eyck war hier 1434".
Nach Ansicht einiger Analysten war der italienische Kaufmann ein Freund des Malers, da er auch auf einem anderen Bild von van Eyck auftaucht. Die Protagonisten des Bildes sind eindeutig wohlhabende Leute, die teure, pelzbesetzte Kleidung tragen und mit Schmuck zwischen noblen Möbeln, orangefarbenen Orientteppichen und eleganten Kronleuchtern posieren. Das Gemälde, das wohlhabende Bürger darstellt, war in den vergangenen Jahrhunderten viel unterwegs, es war lange Zeit im Besitz der Modelle, dann wurde es von Don Diego de Guevara, Margarete von Österreich, Mária Habsburg, II. Philipp und IV. Auch an der Wand des britischen King George. Derzeit im Besitz der National Gallery in London, kauften sie es auf einer Ausstellung für 600 £.
Jacques-Louis David: Eid der Horatier
Der französische Maler gilt als Leitfigur des Klassizismus. Nicht nur der Inh alt, sondern auch die Komposition seines 1784 gem alten Meisterwerks war innovativ in der Branche. Laut wikipedia.org sind die Figuren wie Statuen aneinandergereiht, das Ganze erzeugt den Effekt, eine Szene aus einem Theaterstück zu sehen.
Das Bild des in eine bürgerliche Familie hineingeborenen Malers zeigt die Szene, in der die römischen Brüder ihrem Vater einen Eid schwören und geloben, sogar die als Feinde geltenden Curiatius zu besiegen auf Kosten ihres Lebens. Mit äußerster Sensibilität zeigt David die Spannung zwischen der Entschlossenheit der Patrioten, die in die Schlacht ziehen, und den traurigen Frauen, die ihre Kinder trösten, die auf der gegenüberliegenden Seite des Bildes komponiert sind, was eine symbolische Bedeutung hat: Es symbolisiert Patriotismus, moralische Stärke, Pflichtbewusstsein und Annahme des Todes gleichzeitig.
Georges de La Tour: Der heilige Josef mit dem Jesuskind
Die frühen, von Caravaggio beeinflussten Bilder des französischen Malers, die in der ersten großen Periode des Barock entstanden, zeichnen sich durch Detailreichtum und spezifische Farbgebung aus. Der Künstler m alte 1645 eines seiner Meisterwerke, in dem Jesus seinem Vater bei der Tischlerei hilft. Das Thema „Jesus bringt Licht ins Dunkel“ist auch hier symbolisch, wie auch die erhobene linke Hand für Katholiken Segen bedeutet. Durch diese intime Szene möchte der Maler also die Reinheit und Schwäche des sanften und ruhigen Kindes im Vergleich zur hart arbeitenden Erwachsenenfigur vermitteln. Laut einigen Analysten sieht das Stück Holz, an dem József vor dem dunklen Hintergrund so inbrünstig arbeitet, wie ein Kruzifix aus.
Diego Velazquez: Die Hofdamen
Der spanische Maler stand 1623 IV. Im Dienst von König Philipp, wo er bis zu seinem Lebensende Bilder der königlichen Familie, der Hofh altung und des spanischen Adels m alte. Sein Gemälde aus dem Jahr 1656 ist viel komplexer als ein traditionelles Porträt, da wir auf dem Bild den Maler bei der Arbeit sehen, der möglicherweise ein Porträt des Königspaares (Philipp IV. Und Marianna von Österreich) m alt - zumindest kann dies der Fall sein aus dem Bild des Spiegels an der Rückwand erraten werden. Im Mittelpunkt der Szene steht ihre Tochter, das Kleinkind Margaréta, das vermutlich in Begleitung der Hofdamen und Hofzwerge ihre Eltern sucht, doch die Show wird ihr, dem Kleinkind im weißen Kleid, mit goldenen zweifellos gestohlen Haare, die dem Betrachter minutenlang ins Auge fallen.. Laut Kunsthistorikern hat der Maler bei der Bemalung des Werkes viele Fragen offen gelassen, so sei es beispielsweise unmöglich zu entscheiden, ob es sich bei dem an der Rückwand sichtbaren Objekt um einen Spiegel handelt, in dem sich das als Modell stehende Königspaar spiegelt, oder das auf Leinwand gem alte Bild von ihnen, durch das der König und die Königin während der gesamten Szene anwesend sind, ohne tatsächlich dargestellt zu werden. Das Besondere an dem Gemälde ist, dass die Komposition die Frage aufwirft, wer der Schöpfer ist, wenn Velazquez von außen betrachtet und auf das Bild gem alt wird, während es sich um das einzige bekannte Selbstporträt von Velazquez handelt.
